Guardando con attenzione alla filmografia di Gianclaudio Cappai, possiamo agevolmente distinguere alcuni elementi ricorsivi, perlopiù scelte formali e tematiche, che sottendono a una precisa ricerca enunciativa. Si pensi, per esempio, a certe inquadrature, a macchina a mano, nelle quali i soggetti ripresi sono parzialmente occultati da elementi scenografici, come a voler nascondere lo sguardo e la presenza in scena dell’autore; o all’utilizzo bilanciato, in fase di scrittura, di principi narrativi giustapposti per creare una struttura solida, chiara e irrigata di sottotesto nelle scene e nei dialoghi; o ancora a certi topoi contenutistici ravvisabili, soprattutto, nelle dinamiche interne famigliari e nella dialettica tra queste e uno o più elementi esterni intrusivi. In più occasioni si è parlato di questi come “film d’atmosfera”, non basta, infatti, parlare di “atmosfere” nella pretesa di poter riassumere quelle che sono invece complesse coesistenze tra personaggi e paesaggi, tra luce e pellicola, tra volti e ottiche, da dover interrogare, nostra volta, in ogni fotogramma da lui concepito. A darcene prova sono soprattutto i tre film qui selezionati per l’occasione.

Nelle diciannove inquadrature dell’incipit di Purché lo senta sepolto (2006) si schiudono già molti dei diversi aspetti commentati. A brevi panoramiche fluide sono accostati bruschi movimenti di macchina che incarnano la presenza del regista, e la nostra, nel freddo paesaggio congelato in un tempo mai definito. Ad abitarlo, Samuele, la madre, il passante Fabrizio e una distesa di carcasse di animali, sepolte con cura dal ragazzo allo scopo di far da questi reperire i suoi messaggi al defunto padre. Ogni singolo frammento sembra perciò accludere a sé una moltitudine di fattori, siano questi per l’appunto formali o tematici, pronta a esplodere quando accostata nell’intarsio narrativo eseguito dal regista.

Un’operazione, questa, che si riflette altresì in So che c’è un uomo (2009), mediometraggio presentato nella sezione Corto Cortissimo della 66^ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, e feritoia di un quadro famigliare soffocato dalle tensioni climatiche innescate dall’ambiente e dai personaggi. Che si trattino dunque di ferite, legami, desideri e quant’altro, queste dinamiche vengono accuratamente seminate in un “non-detto” che precede l’inesorabile tragedia finale. A distanza di quasi sette anni, l’evoluzione di questi aspetti sfocia infine in quel Senza lasciare traccia (2016). Seppur nei suoi limiti, l’esordio al lungometraggio conferma appieno la maturità e lo sguardo autoriale raggiunto negli anni dal regista.